Sobre

Há um certo tipo de artista que emerge da era das netlabels — alguém que se formou quando partilhar música experimental passava por carregar MP3s para servidores em países distantes, quando comunidade queria dizer tópicos de fórum e licenças Creative Commons. Jerome Faria é um desses artistas, embora dizer que nasceu desse período seja subestimar o que se seguiu.

Nascido na Madeira, Faria passou os anos de formação na Suíça antes de regressar a Portugal ainda adolescente. Primeiro vieram o piano e a guitarra, depois a bateria — uma base rítmica audível até no seu trabalho mais abstracto. Em 2003, tinha enveredado pela música electrónica e editava como NNY pelas Enough Records, Test Tube e MiMi. A música era de confronto: detritos digitais transformados em algo urgente. A sua estreia, OFFEAR.EP (2004), estabeleceu o modelo, seguida de ECT (2005) — para o LaFresto, era "música construída como edifícios, em que entrei em cada um e nunca me perdi nos longos corredores."

Em 2005, Faria actuava no MADEIRADIG e partilhava cartaz com Fennesz e Florian Hecker. Regressaria mais cinco vezes ao longo dos seis anos seguintes, de cada vez em companhia de mais peso: Frank Bretschneider e Vladislav Delay em 2006–07, Alva Noto e Murcof em 2009 — com o duo que formava com Hugo Olim a merecer elogios de Alva Noto —, a que se seguiu o cartaz de 2011, com Tim Hecker, Oneohtrix Point Never, KTL, Deaf Center e Lee Ranaldo dos Sonic Youth. O seu duo com Taylor Deupree nesse ano chamou a atenção de The Quietus: "um som quase romântico que evoca Discreet Music de Eno."

Não era o percurso de um artista local a quem se concedia acesso ocasional a palcos internacionais. Faria era programado como um par. O circuito expandiu-se: EME em Lisboa, EME.LL no Porto — um simpósio de laptops que reuniu dezasseis criadores da experimentação portuguesa — Störung em Barcelona, Festival Migractions em Paris.

O movimento da glitch art vinha a ganhar forma em torno deste território. Quando Glitch: Designing Imperfection surgiu em 2009 — editado por Iman Moradi, Ant Scott, Joe Gilmore e Christopher Murphy —, Faria figurava ao lado de Kim Cascone, JODI, Lia, Mario Klingemann e Marius Watz. A prática sonora e a visual vinham a contaminar-se uma na outra. O erro tornara-se matéria.

A passagem de NNY para o seu próprio nome marcou uma viragem para a paciência, já perceptível nas composições esparsas de 17:14 (2010) e plenamente concretizada em Overlapse (BRØQN / Enough Records, 2012) — drones que se desenrolavam gradualmente, texturas que exigem atenção prolongada. Para a Edição Limitada, era "quase como se contemplássemos a máquina, forçada a fugir à sua própria e sintetizada perfeição, prestes a tropeçar em si mesma a qualquer momento."

Por esta altura, Faria começou a compor para cinema. A sua banda sonora para The Cabinet of Dr. Caligari, de Robert Wiene — estreada ao vivo em 2013 com o pianista Nuno Filipe, editada pelo próprio na BRØQN uma década depois —, trabalha contra o expressionismo angular do filme em vez de o ilustrar, um diálogo ao longo de um século de possibilidades sonoras.

Em 2015, Faria mudou-se para Lisboa e trocou o isolamento da Madeira por um trabalho em engenharia de software, um campo próximo dos sistemas generativos que há muito empregava na sua música. Nesse ano, fez a primeira parte de William Basinski. Depois, o trabalho recuou, embora nunca tenha desaparecido por completo: a banda sonora para Invisible Other, de Margarida Paiva, chegou em 2016, uma meditação sobre a solidão contemporânea.

Em 2020 regressou a uma actividade mais consistente, com a música original que compôs e interpretou ao vivo para ARAGÃO — uma peça de teatro apresentada no Teatro Municipal Baltazar Dias em 2021, que celebra o centenário de António Aragão, o poeta e artista madeirense que co-fundou a Poesia Experimental Portuguesa.

2504 chegou em 2024 como a sua obra conceptualmente mais densa. Editada a 25 de Abril — o 50.º aniversário da Revolução dos Cravos —, a peça dura exactamente 25 minutos e 4 segundos, a data inscrita na sua duração. A música concreta de Schaeffer, a síntese analógica de Radigue, o phasing de Reich — aplicados a material de arquivo de antes, durante e depois da revolução. Noticiários, discursos, celebrações religiosas, relatos desportivos, anúncios — tudo tornado experiência no presente e não documentário. Faria nasceu nove anos depois de a revolução ter posto fim a décadas de ditadura. 2504 é como soa herdar a democracia sem conhecer a sua ausência.

Nesse mesmo ano, Faria formou NOx com Pedro Roque, também conhecido como CAVERNANCIA — embora a dupla já tivesse sido testada em 2021, na SMUP, em Parede, no aniversário da THISCO/SPH. ALTAR, a sua estreia como NOx, é uma improvisação de 33 minutos gravada junto a uma fábrica de ácido nítrico que deu o nome ao duo, na Rua do Ácido Sulfúrico, no Barreiro. Quatro horas, três takes, pós-produção mínima. The Devil's Mouth chamou-lhe "um caos belamente retorcido que se desenrola sem tréguas." Onde o seu trabalho a solo avança com paciência, NOx opera pelo confronto — um contrapeso e não uma contradição.

Com Overlapse XIII (2025), Faria convidou oito artistas a reimaginar a sua estreia de 2012, no papel de curador e engenheiro de masterização. Entre os participantes estão Tren Go! Sound System (Pedro Pestana, dos 10 000 Russos) e João Vairinhos (LÖBO) — colaboradores em diálogo com a sua própria história.

Em 2026, duas edições puxaram em direcções opostas. En Veille destila a prática do drone até ao osso — uma única improvisação sem edição, sem laptop e sem rede de segurança, onde subharmónicos e feedback ocupam o lugar dos tape loops de uma geração anterior. Dedicada a Éliane Radigue (1932–2026), herda a paciência da sua rêverie du regard. Contraplacado segue o caminho inverso: uma reformulação de uma faixa de Aires e a sua exploração mais explícita de ritmo até à data, com as duas metades divididas pela instrumentação — a primeira densa e sintética, a segunda acústica e a sua primeira orquestração clássica, que recua tanto quanto a primeira avança, mais antiga do que as ferramentas que a fizeram.

Mais de duas décadas depois, a constante não é uma sonoridade, mas sim uma forma de trabalhar. A comunidade das netlabels nada lhe exigia em termos comerciais, e essa liberdade permitiu-lhe tratar a música como uma genuína indagação sobre o som, e não como um produto — e continuar a reformular a resposta. Essa reformulação é o fio condutor: do glitch ao drone, da música concreta à sua primeira orquestração clássica, da paciência a solo ao confronto de NOx. Num campo onde a tecnologia promete uma produção sem atrito, continua a procurar o grão, a textura, a resistência — sem nunca se acomodar, no verdadeiro sentido de ser experimental.